위대한 개츠비(The Great Gatsby, 2013) 결말과 상징의 이해: 초록 불빛부터 아메리칸 드림
바즈 루어만(Baz Luhrmann) 감독의 2013년작 <위대한 개츠비(The Great Gatsby)>는 F. 스콧 피츠제럴드(F. Scott Fitzgerald)의 1925년 동명 소설을 화려한 비주얼과 현대적 사운드트랙으로 재해석한 작품입니다. 레오나르도 디카프리오(Leonardo DiCaprio)가 연기한 제이 개츠비(Jay Gatsby)는 오직 첫사랑 데이지(Daisy)를 되찾기 위해 자수성가한 백만장자가 되지만, 결국 비극적인 죽음을 맞이합니다. 이 글에서는 개츠비가 왜 죽어야만 했는지에 대한 결말 해석, 초록 불빛과 닥터 에클버그의 눈으로 대표되는 상징들, 1920년대 재즈 에이지(Jazz Age)라는 시대적 배경과 실제 역사의 접점, 원작 소설과 영화의 차이 및 피츠제럴드 본인의 실제 삶과 죽음, 지금까지 만들어진 <위대한 개츠비> 영화화 작품들의 계보, 그리고 개츠비의 화려한 옷과 파티에 감춰진 상류층의 허영과 몰락까지 여러 관점에서 이 작품을 깊이 있게 파헤쳐 보겠습니다.
위대한 개츠비 결말, 개츠비는 왜 죽어야 했을까? (비극적
운명 해석)
영화의 결말에서 제이
개츠비는 데이지가 운전하다 남편 톰(Tom)의 정부 머틀(Myrtle)을
치어 죽인 사고의 죄를 대신 뒤집어쓰고, 머틀의 남편 조지 윌슨(George
Wilson)의 총에 맞아 수영장에서 허무하게 생을 마감합니다. 표면적으로는 오해에서 비롯된
우발적 죽음처럼 보이지만, 이 결말은 단순한 사고사가 아니라 개츠비라는 인물이 태생적으로 품고 있던
비극성의 완성이라고 해석할 수 있습니다. 개츠비는 가난한 농부의 아들로 태어났지만 자신을 완전히 새로운
사람으로 재창조하여 상류 사회에 편입했고, 그 모든 노력의 목적은 오직 5년 전 헤어진 데이지를 되찾는 것이었습니다. 그는 과거를 되돌릴
수 있다고 믿었고, 데이지 역시 자신을 향한 사랑이 변하지 않았을 것이라 확신했습니다. 그러나 데이지는 결정적인 순간 톰을 완전히 떠나지 못하고 망설이며, 심지어
자신이 저지른 살인의 책임마저 개츠비에게 떠넘긴 채 침묵합니다. 개츠비의 죽음 이후 그토록 화려했던
파티에 몰려들던 수많은 손님들 중 장례식에 찾아오는 사람은 거의 없다는 사실은, 그가 평생 쫓았던 사교계의
인정과 사랑이 얼마나 허상에 가까웠는지를 적나라하게 드러냅니다. 결국 개츠비의 죽음은 계급의 벽을 넘어서려
한 자수성가한 인물이 기존 상류층의 냉혹한 이기심 앞에서 철저히 이용당하고 버려지는 과정을 상징하며, 순수한
이상과 낭만이 현실의 물질주의와 계급 논리 앞에서 얼마나 무력하게 스러지는지를 보여주는 장치로 기능합니다.
초록 불빛과 닥터 에클버그의 눈, 영화 속 숨겨진 상징 5가지
<위대한 개츠비>는 시각적 상징으로 가득 찬 작품이며, 이는 원작 소설이 문학사에서 상징주의의 교과서로 꼽히는 이유이기도 합니다. 가장
대표적인 상징은 데이지의 집 선착장 끝에서 반짝이는 초록 불빛(green light)입니다. 개츠비는 밤마다 이 불빛을 바라보며 손을 뻗는데, 이는 그가 닿을
수 없는 꿈, 즉 되돌릴 수 없는 과거와 데이지에 대한 갈망을 상징합니다. 동시에 이 초록빛은 미국 초기 개척자들이 신대륙을 바라보며 품었던 희망, 즉
아메리칸 드림(American Dream) 자체를 은유하기도 합니다.
두 번째 핵심 상징은 잿더미 골짜기(Valley of Ashes)에 세워진 거대한 광고판
속 닥터 T. J. 에클버그(Doctor T. J.
Eckleburg)의 눈입니다. 낡고 색이 바랜 이 광고판 속 거대한 안경 낀 눈은 마치
신처럼 모든 인물들의 부도덕한 행위를 무심하게 내려다보는데, 이는 신이 사라진 시대에 도덕적 감시자가
부재한 현실, 혹은 물질만능주의 사회에서 상실된 영적 가치를 상징한다고 해석됩니다. 세 번째로 개츠비의 대저택과 화려한 파티는 그가 쌓아 올린 부와 성공의 외형을 보여주지만 동시에 공허함을 내포하며, 네 번째로 등장하는 개츠비의 수많은 셔츠들은 물질적 풍요로 사랑을 증명하려는 그의 순진하면서도 슬픈 시도를
나타냅니다. 마지막으로 잿더미 골짜기 자체는 상류층의 화려함 이면에 감춰진 노동 계급의 황폐함과 산업화의
어두운 그림자를 상징하며, 이 다섯 가지 상징은 서로 유기적으로 연결되어 영화 전체의 주제 의식을 시각적으로
완성시킵니다.
1920년대 재즈 에이지, 영화 속 배경과 실제 역사적 사실 비교
영화의 시대적 배경인 1920년대는 흔히 '재즈 에이지(Jazz
Age)' 또는 '광란의 20년대(Roaring Twenties)'로 불리며, 제1차 세계대전 종전 이후 미국이 전례 없는 경제적 호황을 누리던 시기였습니다. 이
시기 미국은 금주법(Prohibition)이 시행되고 있었음에도 불법 주류 밀매업이 성행했고, 영화 속 개츠비가 벌이는 화려한 파티들 역시 이러한 금주법 시대의 이중적 분위기를 반영합니다. 증권시장 호황과 대량 생산 체제의 확립으로 새롭게 부를 축적한 신흥 부유층이 등장했는데, 개츠비 역시 이러한 시대적 흐름 속에서 벼락부자가 된 인물로 그려집니다. 하지만
영화는 이 시기가 곧 1929년 대공황(Great
Depression)으로 이어지는 거품경제의 정점이었다는 역사적 사실을 배경에 깔고 있어, 개츠비의
몰락은 개인의 비극을 넘어 이 시대 전체가 안고 있던 근본적인 불안정성을 예견하는 서사로도 읽힙니다.
이 시대 분위기를 상징하는
가장 대표적인 문화 현상이 바로 플래퍼(Flapper) 문화와 찰스턴(Charleston)
춤입니다. 플래퍼는 1920년대 미국 도시를
중심으로 등장한, 전통적인 여성상에서 벗어난 젊은 여성들을 가리키는 말입니다. 짧은 보브컷(bob cut) 머리에 무릎 위로 올라온 짧은 치마, 코르셋을 거부한 헐렁한 원피스 실루엣, 진한 화장과 긴 목걸이, 클로슈 모자 차림이 이들의 대표적인 외양이었습니다. 공공장소에서
담배를 피우고 술을 마시며 재즈 클럽에서 밤늦게까지 춤을 추고, 자동차를 몰고 자유롭게 돌아다니는 등
이전 세대보다 훨씬 개방적인 연애관과 생활 방식을 보였습니다. 활발하고 독립적인 이 이미지는 당시 기성세대에게는
종종 '품위 없고 위험한 여자'로 비난받기도 했습니다. 이러한 플래퍼 문화가 탄생할 수 있었던 배경에는 제1차 세계대전
이후 여성의 사회 진출 확대와, 1920년 통과된 미국 수정헌법 제19조에
따른 여성 참정권 획득이 있습니다. 여기에 경제 호황, 라디오·영화·자동차의 대중 보급, 급속한
도시화가 맞물리면서 '새로운 여성(New Woman)'이라는
이미지가 형성되었습니다. 공교롭게도 F. 스콧 피츠제럴드는 <플래퍼와 철학자들(Flappers and
Philosophers)>이라는 단편집을 통해 바로 이러한 여성상을 자주 그려낸 작가였고, 이는 <위대한 개츠비> 속 데이지나 조던 베이커(Jordan Baker) 같은 인물들의 태도와도 자연스럽게 연결됩니다.
플래퍼들이 즐긴 대표적인
춤이 바로 찰스턴입니다. 찰스턴은 원래 아프리카계 미국인들의 민속 춤에서 비롯된 것으로, 사우스캐롤라이나(South Carolina) 찰스턴 지역과 연관이
깊으며 서아프리카와 카리브해 춤의 영향도 받은 것으로 알려져 있습니다. 20세기 초 미국 남부에서 시작된
이 춤은 대이주(Great Migration)를 통해 뉴욕 할렘(Harlem)으로
전해졌고, 1923년 브로드웨이의 흑인 뮤지컬 <러닝
와일드(Runnin' Wild)>에서 제임스 P. 존슨(James P. Johnson)이 작곡한 곡 〈더 찰스턴(The
Charleston)〉과 함께 소개되면서 미국 전역, 나아가 유럽까지 퍼지는 전 세계적인
댄스 열풍으로 이어졌습니다. 빠른 4분의 4박자 재즈 리듬에 맞춰 무릎을 굽혔다 펴면서 발을 안쪽과 바깥쪽으로 비틀고 한쪽 다리를 비스듬히 차는 동작이
특징인 이 춤은, 혼자 추든 파트너와 추든 활기차고 자유분방한 움직임이 두드러졌습니다. 기성세대는 이를 두고 '야만적이고 품위 없다'며 못마땅해했지만, 젊은 세대에게는 억눌린 관습으로부터의 해방과 순간의
즐거움을 상징하는 몸짓이었습니다. 결국 플래퍼 문화와 찰스턴 춤은 재즈 음악, 그리고 금주법 시대의 불법 술집이었던 스피크이지(speakeasy)와
함께 1920년대 특유의 자유롭고 쾌락적인 분위기를 완성하는 핵심 요소였으며, <위대한 개츠비> 속 화려한 파티 장면들에도 이러한 기운이
짙게 스며 있습니다. 당시 젊은이들이 내세웠던 '현재를 즐기자'는 태도와 그 이면에 자리한 공허함, 도덕적 혼란을 동시에 보여주는
문화 현상이라 할 수 있습니다. 그러나 이 화려한 문화도 영원하지는 못했습니다. 1929년 대공황이 터지면서 플래퍼 문화는 급격히 쇠퇴했는데, 이는
더 이상 화려한 파티와 소비 중심의 생활을 유지할 경제적 여력이 사회 전반에 남아 있지 않았기 때문입니다.
흥미로운 점은 영화가
실제 1920년대의 재즈보다는 제이지(Jay-Z)가 프로듀싱한
힙합과 현대 팝 음악을 사운드트랙으로 대거 사용했다는 것인데, 이는 역사적 정확성보다는 당시의 광란스럽고
과잉된 에너지를 오늘날 관객에게 체감시키기 위한 감독의 의도적 선택이었습니다. 실제 역사와 영화적 재현
사이의 이러한 시대착오적 연출은 개봉 당시부터 평단에서 호불호가 크게 갈렸던 지점이기도 합니다.
원작 소설 vs 영화, 피츠제럴드가 진짜 말하고
싶었던 것은?
바즈 루어만의 영화는
원작 소설의 서사 골격을 대체로 충실히 따르지만, 연출 방식에서는 상당한 차이를 보입니다. 소설에서 닉 캐러웨이(Nick Carraway)는 담담하고 절제된
문체로 이야기를 회고하는 반면, 영화에서는 토비 맥과이어(Tobey
Maguire)가 연기한 닉이 요양원에서 의사에게 상담을 받으며 글을 쓰는 액자식 구조로 각색되었고,
이 설정은 일부 평론가들 사이에서 지나치게 작위적이라는 비판을 받기도 했습니다. 또한 원작
소설이 절제된 문장과 여백의 미를 통해 비극성을 드러낸다면, 영화는 화려한 CG와 3D 촬영, 빠른
편집을 통해 파티 장면들을 폭발적으로 확장시켜 시각적 스펙터클을 극대화합니다.
F. Scott Fitzgerald가 이 소설을
통해 진짜 말하고 싶었던 것은 단순한 로맨스가 아니라, 아메리칸 드림이라는 신화 자체에 대한 근본적인
회의였습니다. 그리고 이 메시지는 그의 실제 인생과 놀라울 만큼 겹쳐집니다. 1896년 미네소타 세인트폴(St. Paul)에서 태어난 피츠제럴드는
프린스턴 대학교를 중퇴한 뒤, 1920년 첫 장편소설 <낙원의
이편(This Side of Paradise)>이 큰 성공을 거두며 스물네 살의 나이에 하루아침에
유명 작가이자 시대의 아이콘으로 떠올랐습니다. 아내 젤다 세이어(Zelda
Sayre)와 함께 뉴욕과 파리를 오가며 사치스럽고 화려한 생활을 이어갔고, 1925년
발표한 <위대한 개츠비> 역시 평단의 호평을 받았지만
정작 그의 생전에는 상업적으로 크게 성공하지 못했습니다. 진짜 위기는
1930년대에 찾아왔습니다. 1929년 대공황이 시작되며 재즈 에이지의 화려함을 그리워하는
독자는 급격히 줄어들었고, 1934년작 <밤은 부드러워(Tender Is the Night)>는 대공황을 겪는 독자들에게 더 이상 매력적이지 않은 '재즈 시대 파티' 이야기로 취급받으며 상업적으로 실패했습니다. 수입이 끊긴 피츠제럴드는 아내 젤다의 정신질환 악화와 자신의 알코올 의존증까지 겹치며 생활고에 시달렸고, 결국 1937년 할리우드로 건너가 시나리오 작가로 재기를 시도합니다. 그러나 할리우드에서의 경력 역시 순탄치 않았고, 미완성 소설 <라스트 타이쿤(The Last Tycoon)>을 집필하던
중이던 1940년 12월
21일, 연인이었던 컬럼니스트 실라 그레이엄(Sheilah
Graham)의 아파트에서 심장마비로 세상을 떠났습니다. 향년 44세였습니다. 흥미롭게도 그는 죽기 직전까지 자신이 대중에게 완전히
잊힌 실패한 작가라고 여겼으며, 실제로 서점에서 자신의 책을 찾을 수 없었던 일화가 전해질 정도로 생전의
그는 철저히 잊힌 존재였습니다. <위대한 개츠비>가 '위대한 미국 소설(the Great American Novel)'로
재평가받으며 오늘날의 명성을 얻은 것은 그의 사후, 1950~60년대에 이르러서였습니다. 화려한 성공에서 대공황 속의 몰락과 쓸쓸한 죽음으로 이어진 피츠제럴드 자신의 인생 궤적은, 결국 개츠비라는 캐릭터가 겪는 흥망성쇠와 그대로 포개어지며, 이
소설이 단순한 픽션이 아니라 작가 자신의 삶에 대한 예언적 자화상이었다는 해석에 무게를 더합니다.
위대한 개츠비, 스크린으로 재탄생하다 - 1949년과 1974년 영화
2013년판 이전에도 <위대한 개츠비>는 여러 차례 영화로 만들어졌습니다. 가장 최초의 영화화는 1926년 무성영화였지만 이 작품은 현재 필름이 소실되어 예고편 일부만 남아 있는 것으로 알려져 있습니다. 이후 첫 번째 유성영화 버전이 바로 1949년작 <위대한 개츠비>입니다.
엘리엇 누전트(Elliott Nugent) 감독이 연출하고 알란 래드(Alan Ladd)가 개츠비를, 베티 필드(Betty Field)가 데이지를 연기했습니다. 이 버전은 개츠비를
조직범죄와 얽힌 인물로 그리며 필름 누아르에 가까운 어두운 분위기로 재해석한 것이 특징인데, 당시 할리우드
제작 규범(Hays Code)의 영향으로 원작의 부도덕한 요소들을 순화시킨 각색이라는 평가를 받았습니다. 흥행이나 비평 면에서 크게 주목받지 못했고, 현재는 필름 확보조차
쉽지 않은 '보기 힘든 작품'으로 여겨질 만큼 대중적 인지도가
낮은 편이지만, 알란 래드 특유의 절제되고 우수에 찬 연기가 원작 속 개츠비의 이미지와 잘 어울린다는
재평가도 존재합니다.
가장 널리 알려진 고전
버전은 1974년작으로, 잭 클레이튼(Jack Clayton)이 연출하고 프랜시스 포드 코폴라(Francis
Ford Coppola)가 각본을 맡았으며, 로버트 레드포드(Robert Redford)가 개츠비를, 미아 패로우(Mia Farrow)가 데이지를 연기했습니다. 약 650만~700만 달러의 제작비가 투입된 이 영화는 전 세계적으로 2천만 달러 이상의 흥행 수익을 올리며 상업적으로는 성공을 거두었고, 제47회 아카데미 시상식에서 의상상(테오니 알드레지)과 음악상(넬슨 리들)을
수상했습니다. 코폴라의 각본은 원작의 줄거리와 대사를 매우 충실하게 따른 것으로 평가받았고, 화려한 의상과 프로덕션 디자인 역시 호평을 받았습니다. 다만 평단의
반응은 대서양 양쪽에서 엇갈렸는데, 클레이튼 감독의 연출과 배우들의 연기, 영화의 시각적 완성도에 대한 칭찬이 있었던 반면, 전반적으로 원작이
지닌 열정과 에너지를 충분히 담아내지 못하고 다소 밋밋하게 흘러간다는 지적도 상당했습니다. 특히 미아
패로우의 데이지 연기는 개츠비가 그토록 갈망할 만한 매력을 충분히 설득력 있게 보여주지 못했다는 아쉬움도 제기되었습니다. 그럼에도 로버트 레드포드가 연기한 개츠비는 이후 오랫동안 '가장
개츠비다운 개츠비'라는 평가를 받으며 팬들 사이에서 꾸준히 재조명되고 있습니다. 이처럼 1949년판이 조직범죄 스릴러에 가까운 실험이었다면, 1974년판은 원작에 가장 충실한 정통파 각색으로, 그리고 2013년판은 현대적 스타일과 대중음악을 결합한 파격적 재해석으로, <위대한
개츠비>는 시대마다 전혀 다른 방식으로 스크린에 되살아난 셈입니다.
개츠비의 옷과 파티, 당시 미국 상류층의 허영과 몰락
영화 <위대한 개츠비>는 개봉 당시 아카데미 시상식에서 의상상과
프로덕션 디자인상을 수상할 만큼 시각적 완성도를 인정받았는데, 특히 개츠비가 걸치는 화려한 정장들과
파티 참석자들의 극도로 사치스러운 의상은 그 자체로 하나의 이야기 장치입니다. 개츠비는 데이지에게 자신의
성공을 증명하기 위해 수십 벌의 값비싼 셔츠를 자랑하듯 꺼내 보이는데, 이 장면에서 데이지가 감격에
겨워 눈물을 흘리는 모습은 당대 상류층 여성들에게 사랑과 물질적 풍요가 얼마나 밀접하게 얽혀 있었는지를 상징적으로 드러냅니다.
이러한 화려함을 제대로
이해하려면 1920년대 미국 사회 전체의 맥락을 살펴볼 필요가 있습니다. 제1차 세계대전이 끝난 뒤 미국은 이른바 '광란의 20년대(Roaring
Twenties)'라 불리는 유례없는 산업 호황을 맞이했고, 대량생산 체제와 자동차·라디오 같은 신기술의 대중화로 소비문화가 폭발적으로 성장했습니다. 그러나
동시에 1920년 발효된 수정헌법 제18조에 따라 술의 제조와
판매, 유통이 전면 금지되는 금주법(Prohibition)이
시행되었고, 이는 역설적으로 밀주업과 조직범죄를 크게 키우는 결과를 낳았습니다. 개츠비가 정체불명의 막대한 부를 쌓고 매주 화려한 파티에서 술을 무제한으로 제공할 수 있었던 배경에도 바로
이 금주법 시대 특유의 불법 주류 유통 산업이 깔려 있습니다. 또한 이 시기는 앞서 살펴본 플래퍼 문화와
찰스턴 춤처럼 기존의 보수적 관습에 도전하는 새로운 자유의 물결이 사회 전반에 퍼졌던 때이기도 합니다. 하지만
화려함 이면에는 어두운 그늘도 짙었습니다. 1924년 존슨-리드
법(Johnson-Reed Act)으로 이민이 대폭 제한되었고, 인종차별과
배타주의 정서도 오히려 심화되었으며, 무엇보다 이 모든 번영은
1929년 주식시장 대폭락과 함께 순식간에 무너질 거품 위에 세워진 것이었습니다. 매주
열리는 개츠비의 파티에는 수백 명의 손님들이 초대장도 없이 몰려들어 샴페인을 마시고 재즈에 맞춰 춤을 추지만, 정작
이들 중 누구도 개츠비가 어떤 사람인지, 진짜 이름이 무엇인지조차 제대로 알지 못합니다. 이는 1920년대 신흥 부유층 사교계가 얼마나 피상적이고 이기적인
관계로 이루어져 있었는지를 신랄하게 보여주는 대목입니다. 웨스트 에그(West
Egg)의 신흥 부자 개츠비와 이스트 에그(East Egg)의 전통 상류층 톰과 데이지
사이에 존재하는 미묘하지만 결코 넘을 수 없는 계급의 벽 역시, 아무리 많은 돈을 벌어도 결코 살 수
없는 '태생'이라는 요소가 당대 미국 사회를 얼마나 강하게
지배하고 있었는지를 드러냅니다. 결국 개츠비가 보여준 화려한 옷과 파티는 아메리칸 드림의 성취를 상징하는
동시에, 그 꿈이 진짜 행복이나 사랑으로 이어지지 못한 채 공허하게 소비되고 마는 허영의 증거로 기능하며, 이는 오늘날 물질적 성공과 진정한 소속감 사이의 간극을 고민하는 현대 관객들에게도 여전히 유효한 메시지를 던집니다.
결론
바즈 루어만의 <위대한 개츠비>는 화려한 비주얼과 현대적 사운드트랙으로
원작 소설을 재해석하며 큰 논쟁을 불러일으킨 작품입니다. 개츠비의 비극적 죽음, 초록 불빛과 에클버그의 눈이라는 강렬한 상징들, 1920년대 재즈
에이지라는 시대적 배경, 대공황 속에서 몰락한 피츠제럴드 자신의 삶,
1949년과 1974년으로 이어져 온 영화화의 역사, 그리고
화려한 파티 이면에 감춰진 계급의 벽까지, 이 영화는 단순한 러브 스토리를 넘어 아메리칸 드림의 허상을
정면으로 다루고 있습니다. 원작 소설이 지닌 절제된 문학적 깊이를 완벽히 재현했다고 보기는 어렵지만, 화려한 형식 자체가 오히려 물질만능주의의 공허함을 역설적으로 드러낸다는 점에서, 이 영화는 여전히 곱씹어볼 가치가 충분한 작품이라 할 수 있습니다.
비판
- The
Unaffiliated Critic: 원작 소설을 미국 문학의 정수로 여기는 평론가는 루어만의 연출이 지나치게 통속적이고 과장되어 원작이 지닌 진정성을 완전히 잃어버렸다고
강하게 비판했으며, 초록 불빛을 향해 카메라가 여러 차례 빠르게 돌진하는 연출을 두고 놀이공원의
놀이기구를 타는 것 같다고 꼬집었습니다.
- Movies In
Focus: 영화가 기술적으로는 인상적이지만 영혼이 없다는 평가와 함께, 지나친 CG 의존과 과잉 연출로 인해 피츠제럴드 원작의 텍스트와 어울리지 않는 만화 같은 느낌을 준다고 지적했습니다. 또한 레오나르도 디카프리오의 연기는 로버트 레드포드의 과거 연기를 답습하는 데 그쳤고, 토비 맥과이어는 내레이션에 적합하지 않은 미스캐스팅이었다는 혹평도 있었습니다.
- CBS News 종합: 마이애미 헤럴드(Miami Herald)의 코니 오글은 이 영화를 실패작으로 규정하며
관람 후 마치 개츠비의 파티가 끝난 다음 날 아침처럼 공허하고 지친 기분이 든다고 표현했고, 필라델피아
인콰이어러(Philadelphia Inquirer)의 평론가 역시 실망감을 드러냈습니다.
- The Goods:
Film Reviews: 이 작품이 루어만 감독의 필모그래피 중 가장 약한 작품으로 평가되며, 화려한 파티
장면에 지나치게 치중한 나머지 정작 서사가 담아야 할 주제 의식이 뒷전으로 밀려났다는 지적이 나왔습니다.
- BBC 종합 리뷰: 할리우드 리포터(Hollywood Reporter)는 루어만 감독이 음악과 의상, 엑스트라, 카메라 기교를 더할수록 더 좋아진다고 믿는 연출
스타일 탓에 영화가 시작부터 과잉으로 흐른다고 평가했으며, 버라이어티(Variety)는 이 영화가 피츠제럴드 소설의 정신보다는 사치와 과잉으로 사랑을 얻으려 한 개츠비 그
자신의 정신에 더 가깝다고 비평했습니다.
- 1974년판에 대한 참고 비평(BFI): 1974년판 역시 잭 클레이튼 감독의 연출과 배우들의 연기, 화려한
시각적 완성도에는 호평이 따랐지만, 원작이 지닌 무언가 핵심적인 것이 빠져 있다는 인상을 남겼다는
평가가 당대부터 꾸준히 제기되었습니다.
비판대상 참조 글주소
- https://unaffiliatedcritic.com/2013/05/the-great-gatsby-2013-movie-review/
- https://www.moviesinfocus.com/review-baz-luhrmanns-the-great-gatsby-is-a-failure/
- https://www.cbsnews.com/news/the-great-gatsby-reviews-are-not-so-great/
- https://thegoodsreviews.com/the-great-gatsby-2013/
- https://feeds.bbci.co.uk/news/entertainment-arts-22425856
- https://www.bfi.org.uk/features/great-gatsby-robert-redford-mia-farrow
나의 한 줄 의견
과잉된 형식이 오히려
원작의 공허함이라는 주제를 역설적으로 잘 표현했다고 생각합니다.
나의 느낀 점과 비판
개인적으로 이 영화를
처음 봤을 때는 화려한 색감과 음악에 압도되어 정신없이 몰입했던 기억이 납니다. 다만 다시 곱씹어보면, 파티 장면들이 지나치게 길고 화려하게 이어지면서 정작 개츠비와 데이지 사이의 섬세한 감정선이나 닉의 내면 변화를
따라가는 데는 다소 방해가 되었다는 생각도 듭니다. 특히 토비 맥과이어가 요양원에서 회고하는 액자식
구조는 원작에는 없던 설정이라 다소 과한 장치처럼 느껴지기도 했습니다. 그럼에도 불구하고 이 영화가
여전히 매력적으로 다가오는 이유는, 형식 자체가 주제를 배신하지 않았기 때문이라고 생각합니다. 개츠비의 삶이 원래 화려하고 과잉된 겉치레로 가득 차 있었다는 점을 감안하면,
영화의 과장된 연출 방식은 오히려 그 공허함을 관객이 직접 체감하게 만드는 효과적인 장치였을 수도 있습니다. 특히 피츠제럴드 자신의 삶을 알고 나서 다시 보니, 화려한 성공
이후 대공황 속에서 잊혀진 채 쓸쓸히 세상을 떠난 그의 인생이 개츠비의 운명과 겹쳐 보이며 영화가 한층 더 애틋하게 다가왔습니다. 물질적 풍요가 넘쳐나지만 진정한 소속감이나 사랑은 결코 살 수 없다는 원작의 메시지는, 화려한 영상미와 대비되는 개츠비의 쓸쓸한 죽음 앞에서 더욱 선명하게 다가옵니다. 원작 소설의 문학적 깊이를 기대하고 보신다면 다소 아쉬울 수 있지만, 하나의
독립적인 시각적 경험이자 아메리칸 드림에 대한 비판적 우화로 접근하신다면 이 영화를 좀 더 풍부하게 즐기실 수 있을 것 같습니다.
Review No.0048
